Laurent Voulzy : Liverpool-sur-Marne

Pour des générations de français, la Rickenbacker sera à jamais la guitare de Dorothée ! Quand nos amis anglo-saxons associent cette divine guitare à la powerpop (ou aux Byrds, Beatles...), nous autres de l'hexagone nous remémorons un Bercy bourré à craquer d'enfants survoltés et les facéties de Corbier, Jacky...Un autre français pourtant portait le cher instrument en bandoulière comme l'étendard de sa passion Pop, un certain Laurent Voulzy, martiniquais d'origine mais très vite installé dans ce cher Val-de-Marne de Nogent à Joinville-le-Pont (la ville des Naast sisi, d'ailleurs Gustave avait aussi une Rick'). Ainsi la belle "ricaine" (alerte jeu de mot!)  apparaît dans ses bras sur la pochette de son plus grand tube "Rockcollection" en 1977 et l'année suivante sur l'excellent single dont je souhaitais aujourd'hui vous parler "Bubble Star".  

Voulzy démarra sa carrière une décennie plus tôt en rejoignant le groupe de Mark Robson: Le Poing. Je ne pense qu'il ait participé aux 45T et unique LP du groupe en revanche. Sa première trace discographique il la dû au Musical College pour lequel il écrivit "elle pleure", une chanson loin d'être mémorable (enfin si vous y tenez: un lien youtube)...En 1970, Lucien (son vrai prénom) participa au groupe Le Temple de Vénus et signa les deux morceaux de leur unique 45 Tours. La face A "Plaisir Solitaire" (youtube) est un produit typique de son époque, texte coquin un brin gaulois et pop hippy-patchouli de rigueur, pas si éloigné de Santa-Maria... C'est quand même franchement pas mal et plutôt bien gaulé (pardon). Après quelques 45T en solo, il rencontre son alter-égo Alain Souchon en 1973, le début d'une longue et fructueuse collaboration pour les deux chanteurs. Dans les grandes lignes (la réalité étant plus subtile): Souchon écrit les textes et Voulzy les mélodies. Le succès pour Souchon fut presque immédiat ("J'ai dix ans" en 1974)  tandis que Voulzy du attendre "Rockcollection" en 1977 pour percer et se faire une place au soleil dans le monde concurrentiel de la variété française. Sans être un inconditionnel (bien que Souchon fasse partie de mon enfance grâce à ma mère), le duo représente pour moi une certaine idée de la pop en France: qualitative, populaire sans être pompière. "Bubble Star" en est une parfaite illustration: c'est une excellente chanson pop démontrant le savoir faire de Voulzy autant que son amour inconditionnel pour la Pop, celle avec une majuscule, idéalement un B comme Beatles ou Beach Boys. Guitares jangly jolies comme des cœurs, arrangements de voix soignée, pont mortel... Un travail d'orfèvre d'une grande élégance beaucoup plus proche de Shoes que de Michel Sardou: vive le MarneBeat !

Le Cœur: Pop en France

Le Cœur fut une formation toulousaine auteure de deux excellents 45 tours à la fin des années 60. Comme beaucoup de groupes de cette période, ses membres se rencontrèrent au lycée, jouèrent quelques concerts et montèrent à Paris. Ils se firent ainsi repérés par Barclay qui édita au cours de l'année 1969 deux simples. Ces derniers n'obtenant pas de succès, malgré d'évidentes qualités, le groupe finit par se séparer. Pourtant, deux de ses musiciens continuèrent dans la musique. Le plus célèbre d'entre eux est sans conteste Pierre Groscola, il obtînt un certain succès en solo et participa à de nombreux disques de variété dont "Hamlet" une collaboration avec Johnny Hallyday (voir la biographie de l'intéressé). Son camarade François Porterie fut peut-être plus discret mais participa à de nombreux tubes de variétés. Il nous intéresse peut-être plus pour sa participation au groupe rock progressif Moebius Bottle (dont il a en tout cas co-écrit certains morceaux) et pour la création du studio Condorcet de Toulouse, que l'on peut apercevoir en toile de fond du vidéoclip de "TVCQJVD" d'Aquaserge (lien youtube), seras-tu assez attentif pour reconnaître celui qui donne le top départ ? Si ce studio haut-lieu d'une certaine variété peu fréquentable dans les années 80 il fut aussi par exemple l'endroit où fut enregistré l'excellent premier album d'Ophiucus, un disque d'obédience acid folk (la sublime "Univers") mais avec quelques occasionnels jams électriques bien corsés !   

Revenons-en à Le Cœur, nos Toulousains. Leur morceau le plus connu (et le plus compilé) est certainement "Bye Bye City", une super chanson pop extraite de leur premier 45 Tours (lien youtube). Les DJs anglais ayant pris en passion ce titre, il vous sera aujourd'hui bien difficile de le payer un prix décent (son prix se chiffre dans la centaine d'euros)... L'autre 45 Tours "Rêve" (compilé sur une Fading Yellow) et sa face A "Un Soleil Assis Dans La Neige" est beaucoup moins recherché (on parle d'une vingtaine d'euros, très décent pour un disque français de cette époque - c'est moins que les EPs de covers de Ronnie Bird !), pourtant il est superbe et osons-le meilleur... "Bye Bye City" est certes un peu plus dansant mais "Un Soleil Assis Dans La Neige" est une magnifique chanson pop absolument parfaite à tous les niveaux: composition, arrangements vocaux, choix des instruments... C'est une orgie de douze cordes, d'harmonies vocales, de la pop de très grande qualité inspiré par les Beatles et comme on a rarement eu l'occasion d'en entendre en France. Dans mes souvenirs la face B est pas mal aussi sans être aussi classe que la A. Je suis d'ailleurs toujours preneur de pop francophone des années 60 aussi recherchée et aboutie !

Rotomagus: de la popsike au proto-punk

On reste à Rouen en ce 10 mars.... En 1971 les normands de Rotomagus (Rouen en latin) éditèrent l'un des disques les plus violents de son époque en France, le simple "Fightin' Cock" sur le label Butterfly. Voyons leurs parcours.

En activité depuis 1967 (avec un certain Philippe Lhommet futur Dynastie Crisis dans les premiers line-up !), le groupe édite trois singles entre 1969 et 1971. Au départ sextet avec trois chanteurs le son de la formation est initialement axée sur le travail des voix. Ainsi le premier 45 tours en 1969 évolue dans la pop psychédélique candide et innocente assez typique de l'époque quoi qu'ici peut-être un peu tardive (et encore). Le simple est plutôt chouette et tient bien la route avec une préférence pour la face B et son superbe travail d'arrangement vocal. "Nevada" (youtube) pourrait ainsi évoquer des formations sunshine pop américaine comme The Association et des groupes français contemporains comme Le Système Crapoutchick. Un an plus tard le groupe revient avec l'incroyable 45 Tours "Eros" (youtube) et "Madame Wanda" (youtube), les normands brillent toujours par la qualité de leur travail harmonique sur les voix (une fois de plus en français) mais y ajoutent une certaine folie qui pouvait manquer à leur premier simple. Cette collision entre rock progressif, heavy-rock, psychédélisme et sunshine pop ambitieuse fait des étincelles bien qu'elle soit toujours sur le point de se fracasser et rompre le précaire équilibre créé par un groupe dépassant ses influences. Ce deux titres est véritablement unique et passionnant tant il ne ressemble à pas grand chose connu avant, pendant ou même depuis. En 1971, une  formation resserrée autour du trio des frères Peresse et du batteur Jacky Billaux publient un dernier simple sur le label indépendant Butterfly (chez qui on trouver Cockpit avec un certain FR David !). Si la face B, sympathique, ne suggère pas de commentaire particulier la A "Fightin Cock" est un brûlot d'une violence inédite pour l'époque. Le groupe a abandonné le français et les harmonies, il envoie trois minutes de hard rock proto-punk chauffé à blanc dans un anglais approximatif mais terriblement agressif et hargneux pour l'époque ! Autant dire que ce disque fait passer ceux des collègues de l'époque pour de la gentille came de hippies bien loin de la sauvagerie de ce cri du cœur passionné et déchaîné d'un groupe qui semble avoir besoin de se prouver des choses. À noter qu'il existe d'autres morceaux issu de cette session et ils ont été publiés par Martyrs of Pop il y a 5 ans sous le nom "The Sky Turns Red:  Complete Anthology" (discogs) avec l'ensemble des singles du groupe.

Les Rythmeurs: Plaire Plaire ?

Il y a une quinzaine de jours sortait la compilation "Rouen, l'explosion Rock 1980-1990" (lien discogs) sur le récemment (2014) réactivé Smap Records, label qui avait édité au début des années 80 les (éphémères) Nouveaux Riches ou encore l'excellent 45T mod revival des Tweed "Fashion" que je vous recommande chaudement. Dans le reportage des Enfants du Rock de 1984, Dominique Laboubée a une très belle image pour décrire la scène qui électrise alors la ville "un peu de poussières d'étoiles"... Celle-ci est certainement tombé sur le disquaire Mélodies Massacre de Lionel Hermani dans lequel Dominique mais aussi les frères Tandy (avec en particulier un certain Gilles inconditionnel des Byrds!) viennent taper la causette et acheter des disques. L'histoire n'aurait pu n'en rester là et pourtant en 1977, un événement va changer la donne: les Dogs enregistrent leur premier 45 tours "Charlie was a good boy", il est publié par le disquaire, le premier d'une poignée de sorties séminales, en 1979 vient ainsi un second coup de grâce: l'unique 45T des Olivensteins, un des plus fantastiques disques du punk français (dans mon panthéon personnel au coté de Marie et les Garçons). Si les Olivensteins se séparèrent après 18 mois insensés, ils essaimèrent une poignée d'excellentes formations parmi lesquelles les Nouveaux Riches (avec Eric Tandy, parolier du groupe et Laboubée), les Gloires Locales (avec Antoine Masy-Perrier futur 6-cordiste des Dogs puis des Wampas ainsi que Gilles Tandy) ou encore les Rythmeurs. 

Les Rythmeurs ne laissèrent à la postérité qu'un mini album et une participation à une compilation ("Snapshots") aujourd'hui complété d'un huitième inédit sur "Rouen, l'explosion Rock". Ils se composaient de deux anciens Olivensteins (Gilles Tandy et le fabuleux guitariste Vincent Denis) ainsi que de Bruno Lefaivre à la batteur (futur Tupelo Soul) et Bruno Lecœur à la basse. "F.I.N.I" leur unique sortie individuelle est éditée en 1983 par le label mythique New Rose. Le format intermédiaire entre un EP et un LP évoque une autre sorti du label parisien faite un an plus tard par une autre formation de la compilation Snapshot(s): "À Bride Abattue" des géniales Calamités (chroniqué ici même). Le disque des Rouennais est un sans faute. Moins punk que les Olivensteins les Rythmeurs laissent les mélodies pop s'épanouir au grand jour sans négliger une certaine amertume et la hargne du punk. Le guitariste joue un récital de haut vol (classe, élégant et fin) quelque part entre les Byrds et pourquoi pas des formations new-yorkaises comme dBs ou Television, un parfait équilibre entre velléités mélodiques et un sens du phrasé moderne et anguleux. Le groupe, loin de copier les anglo-saxons en est très contemporain évoquant le Paisley Underground, les débuts de REM ou certaines formations anglaises C86 trois avant celles-ci (écouter "Un soupçon d'indifférence" pour se faire une idée) ! Si "Plaire Plaire" a mes préférence, de "Rêverie" (youtube) à "F.I.N.I" (youtube) les Rythmeurs s'imposent à travers ce disque comme un des meilleurs représentants du rock français des années 80, comme les Calamités on regrette qu'il n'y ait pas plus (en quantité) à se mettre sous la dent.

Les Yardbirds: Shapes of things (to come)

L'histoire accorde-t-elle assez de crédits aux Yardbirds, l'une des plus fantastiques formations de la British Invasion ? La concurrence particulièrement rude en Grande Bretagne à l'époque (Who, Kinks, Beatles, Stones, Small Faces, Pretty Things, Hollies, Animals, Searchers...) n'empêchera pas les petits protégés de Gomeslky (récemment décédé dans un relatif anonymat et pourtant quelle figure incroyable!) de placer un paquet de singles dans les charts au milieu des années 60... Des tubes, d'autres groupes en ont  pas mal en même temps mais ceux des Yardbirds sont absolument fantastiques et souvent bien en avance sur les collègues. Entre 1965 et 1966 le groupe est à son zénith créatif, de "For You Love" à "Happening Ten Years time ago" (évoqué ici en 2007 !) les oiseaux publient leurs trois albums majeurs ("For Your Love" "Having a Rave Up" et "Roger The Engineer") et une demi-douzaine de singles parfaits et visionnaires. Le départ de Clapton (après le single "For Your Love") aurait pu précipiter le groupe à sa perte: monsieur veut jouer du Blues, la pop il en fera pourtant plus tard et de la très laide. Le groupe ainsi libéré de son encombrant guitariste puriste finit par dégoter Jeff Beck conseillé par un certain...Jimmy Page (qui intègre le groupe par la suite vers 1966, principalement à la basse même s'il existe un court line-up avec Beck et Page à la guitare !). Le guitariste, sa Fender Esquire (une Telecaster équipée un seul micro) et sa fuzzbox vont contribuer à dynamiter le son du groupe et le repousser au delà de ce que faisaient tous les autres groupes à l'époque.

"Shapes of Things" est l'un de ces singles de la période dorée des Yardbirds. Sorti en février 1966, c'est une composition originale et collective (Paul Samwell-Smith, Keith Relf et Jim McCarty) enregistré entre Chicago (aux studios Chess!) et Los Angeles. La chanson reprend de nombreux codes du groupe: elle alterne les rythmes avec des cassures franches comme les tubes de la formation écrits par Gouldman ("For Your Love" ou "Heart full of soul" ) et possède un passage "rave-up" la marque de fabrique des anglais d' "I a man" à "Train Kept a Rollin". La contribution la plus décisive au morceau ne valut pourtant pas à son auteur un place dans les crédits: un solo halluciné et hallucinant de monsieur Jeff Beck. Ces quelques secondes semblent être à elles seules la matrice du rock psychédélique à venir et font des Yardbirds une influence très légitime du genre. Usant du feedback et de la fuzz comme d'un instrument sur une gamme évoquant les ragas indiens, l'anglais tord le son de la guitare jusqu'à la rendre méconnaissable, toute droit sortie d'un rêve sous psychotropes. Quelle claque ce dût être à l'époque ! On dit que le solo influença Jimi Hendrix et Macca (pour celui de "Taxman"), cela ne serait pas étonnant... Si vous me demandez qui fut le meilleur des trois "grands" dans les Yardbirds, Jeff Beck fut définitivement le plus novateur et le plus imaginatif et donc de loin mon favoris. La chanson fut si emblématique pour Beck qu'il en fit une très bonne reprise sur son premier LP ("Truth") en 1968 avec Rod Stewart au chant dans un registre presque hard rock.

Samuel Hobo: et si l'homme synthétique était un vagabond ?

La sortie prochaine du second volume de "The Time Machine" de Jean Michel Jarre sera encore une fois l'occasion de remettre un bien pénible débat sur la table: Jean-Michel Jarre est-il un véritable et authentique (AOC bien sûr) pionnier de la musique électronique ou une vaste fumisterie ? La chronique du précédent sur Le Monde illustre parfaitement la question. Si le journaliste prend position pour l'arnaque via une très subtile argumentation, je pense l'inverse. Certes on peut ne pas aimer les disques de Jean-Michel Jarre mais il est en effet bien difficile de lui nier sa place de pionnier de la musique électronique.

Dès le début des années 70 JMJ publie des disques expérimentaux (le single "cage" / "erosmachine" de 1971) ou de musique électronique dans la mouvance de l'époque (sa reprise de "popcorn") en parallèle de ses activités de parolier pour la variété. Après deux albums (une BO et un disque d'illustration sonore) il obtint une consécration publique avec en 1976 avec "Oxygène", certes deux ans après "Phaedra" de Tangerine Dream ou "Autobahn" de Kraftwerk  mais cinq ans avant Depeche Mode ou New Order ! Le disque fut un grand succès, tout comme son successeur "Equinoxe" en 1978, il fit entrer la musique électronique dans bien des ménages et de nombreux enfants en furent certainement imprégnés. Je ne goûte pas toujours le style mélodique de l'intéressé, un peu trop niais pour moi en général mais Jean-Michel Jarre a aussi enregistré des choses absolument incroyables tel ce single de Samuel Hobo de 1972. "Freedom" et "Synthetic Man" sont indescriptibles ! La musique de Jean-Michel Jarre évoque un croisement entre "Being Boiled" de Human League (sorti 6 ans plus tard) et Suicide tandis que Samuel Hobo remplit à merveille son rôle de vagabond en pleine divagation. J'imagine bien les morceaux enregistrés en quelques heures en direct avec un Samuel tournant à quelques verres, pendant que JMJ tourne les boutons de son monophonique jouant une ligne de basse primitive.  Totalement punk avant l'heure, ces deux chansons sont d'une rare étrangeté (oserions nous dire folie) et valent bien des honneurs à notre Jean-Mimi national légitime pionnier de la musique électronique !

Timmy Thomas: ce 45 Tours étonnant que vous auriez tord d'ignorer

Un récent article des Inrocks (pas mal) m'a poussé à écrire le présent texte sur "Why can't we live together" de Timmy Thomas, en espérant qu'il vous amène un point de vue frais et intéressant sur ce classique de 1972 qui sert de base à "Hotline Bling" de Drake.

Entre 1971 et 1973, la collection Special Disc Jockey édita une soixantaine de 45 tours de soul et funk. Ces disques issus de prestigieux labels américains comme Stax (Booker T and the MGs, Isaac Hayes, Rufus Thomas) ou Polydor (James Brown, Lyn Collins) étaient certainement destinés aux surbooms des ados, ils tracent aujourd'hui une certaine vision de la musique rhythm & blues de cette période en France. J'apprécie particulièrement cette série pour les illustrations de ses pochettes ainsi que le layout/code couleur général: ces labels qui avaient des esthétiques différentes aux USA se retrouvaient ainsi à la merci de dessinateurs français tentant d'interpréter le contenue de chansons dont ils ne maitrisaient parfois pas la langue. Le résultat n'est probablement pas très fidèle à la vision des américains mais il donne aujourd'hui à voir un paquet d'illustrations géniales dont celle de l'excellent designer Jean-Claude Trambouze, auteur de plus de 150 pochettes dans sa carrière dont une quinzaine dans la collection en question. Parmi celles-ci vous avez peut-être croisé "Why can't we live together" de Timmy Thomas, un tube unique à bien des égards.

Unique car d'une simplicité étonnante: une boite à rythmes avec des rythmes programmés, un orgue type Hammond et Timmy Thomas chantant passionnément (de la soul forcément) par dessus: c'est absolument tout. On le comprend mieux en se plongeant dans l'histoire du morceau. Initialement l'enregistrement était une démo, le label opta pour la sortir sans la retoucher, il en résulta un son aussi étrange que spartiate qui contribua largement à créer cette atmosphère dénudée et spontanée. Il y eut dans le succès d'une chanson aussi dépouillée certainement un effet novelty (NDR: quand les gens adhèrent à un morceau pour des raisons extra-musicales comme: le coté amusant ou étrange), à cause de la production bien sûr mais aussi de cette encore très inhabituelle - pour l'époque - boite à rythmes qui commençait à apparaître depuis quelques années en accompagnement pour des orgues. S'il est difficile de dater précisément le premier usage de rythmiques programmées dans une chanson pop, deux exemples concourent comme étant les premiers marquants: "saved by the bell" par Robin Gibb (des Bee Gees, ils existaient déjà l'époque et publiaient des tubes pop orchestrés mignons comme "Massachusetts") et "the Minotaur" par Dick Hyman, un instrumental électronique très étonnant pour l'époque, considéré comme le premier tube avec un Moog. Dans la soul "Why can't live together" est probablement un des premiers tubes dans cette configuration, précédée d'un an du classique crados et psychotique de Sly and the Family Stone "There's a riot goin' on" (c'est particulièrement manifeste sur le génial "Family Affair").  Deux ans plus tards Shuggie Otis s'en empara également en créant le culte "Inspiration Information". Dans une logique de réécriture de l'histoire de la pop opérée par les labels de rééditions (une conspiration ô combien dangereuse) on attribua ainsi à cet excellent (et original) album la paternité d'une certaine idée de la modernité qui au fond se trouve déjà en substance dans l'esprit cramé de Sly ou l'innocence de Timmy Thomas deux-trois ans plus tôt...

"Why can't we live together" fut ainsi la première d'une série de chansons dans la même configuration pour Timmy Thomas, aucune autre ne fut cependant un hit aussi mémorable: elles n'arrivèrent certainement pas à recréer la magie du moment d'une prise directe quasi-improvisée sans pression. La face B "funky me" est ceci-dit excellente et constitue une écoute des plus intrigantes en 2016. Publié par Glades, un sous label de TK, les Floridiens firent deux ans plus tard un coup similaire avec le classique disco "Rock your baby" de George McRae, également une démo, également une boite à rythmes, l'histoire pouvait recommencer ! 

  

Santa-Maria : donne moi ton hippy

Comme vous le savez, malgré son inactivité incompréhensible ce blog affiche fièrement près de 9 années au compteur. Inégal dans son rythme, j'ai récemment eu l'envie de m'y remettre histoire de partager mes nouvelles découvertes (ou celles que je gardais précieusement sous le coude) et les dévoiler sous un angle que j'espère intéressant... J'ai déjà évoqué par le passé (en avril 2008! nous sommes si vieux...) le groupe français Santa-Maria pour un autre de leur 45 tours paru la même année (1971): "Je pleure sur un air de Bach" et sa superbe face B heavy "La Terre Brûlée". On prend les mêmes et on recommence: victoire par KO du revers sur le tube ! "Elle" est ainsi un slow typique de cette époque tandis que "Donne moi ton cœur et ta fleur" est la vraie bonne surprise du disque: de la pop psychédélique groovy avec un texte génialement naïf (quoi qu'un brin coquin sur le refrain non?). Je ne dispose malheureusement pas de tellement plus d'informations sur le groupe (si vous passez par ici les gars n'hésitez pas à nous en apprendre plus en commentaire!) si ce n'est qu'ils ont au moins quatre 45 tours à leur actif. Je n'ai pas encore écouté "Judas" mais "La Fille d'Aladin" (youtube) est également très chouette !

La bonne nouvelle, "Donne moi ton cœur et ta fleur" est un classique de "bacs pas chers", vous devriez le trouver assez facilement pour quelques pièces... On remerciera la collection "Antar" qui comporte de nombreuses pépites de cet acabit (voir meilleures encore) comme Chaps, Majority One ou encore le fameux (et un peu rincé) "Send me a Postcard" des Shocking Blue... À vous donc cette excellente curiosité orgue et fuzz à tous les étages !  

Les Homards Violets: Homard m'a tuer

Un mini événement pour les amateurs de disques français sixties sérieux ! Caméléon réédite l'EP des Homards Violets ! La plupart des productions des années soixante français furent enregistrées dans les studios de gros labels comme Polydor, Barclay's, Vogue... Y compris une majorité des très rares et collectionnées ! Conséquence: les productions avec un son plus rugueux moins policées ne sont pas légion dans nos contrées. Parmi les rares exceptions les sorties de JBP de Lyon et DMF de Normandie, deux labels montés par des passionnés qui ont documenté leur région dans les années 60s et donc publié une quantité importante de groupes beat (les Fraises des Bois, les Bourgeois de Calais, Les Senders, Les Shattels pour en citer des vraiment bons/intéressants). La majorité des sorties n'est pas toujours d'un intérêt musical génial, beaucoup de groupes de reprises dans un anglais approximatif (et jouer avec tout autant d'aisance) mais elle donne aussi un excellent témoignage de l'impact qu'eut la British Invasion dans l'Hexagone...Certaines présentent même un charme proche des Shaggs dans leur innocence !

Le(s) Homard(s) Violet(s) est une autre histoire. Leur unique EP publié de leur vivant et paru en 1967 (après un premier single deux titres - pas mal - paru uniquement à 5ex et réédité depuis) comportent 4 titres originaux en français ! La pochette ambitieuse de Dieter Volroff (dont c'est à ma connaissance la seule réalisation ?) donne le ton: un surréalisme âpre et belliqueux. Les lyonnais ne sont pas là pour vous caresser dans le sens du poil mais vous provoquer ! Le contenu musical est à la hauteur de la pochette, deux morceaux se dégagent particulièrement "le sadique" et "le clodo". "Le Sadique" ferait très certainement le bonheur des scénaristes de séries criminelles actuelles... La musique évoque le R&B des Stones quand les textes ont un certain humour grinçant les rapprochant de "à dégager" des Fleurs de Pavot (dans leur provocation) en plus trash encore. "Le Clodo" est le chef d’œuvre de l'EP et une véritable pièce maîtresse du rock français. Un mur de feedback digne de "My Friend Jack" des Smoke, des paroles caustiques mais drôles, la chanson est d'une violence et une originalité rare dans le paysage français de l'époque. Si la production est un peu plus lo-fi que les contemporains britanniques, voilà un 45 tours qui se hisse sans problème au niveau des raretés freakbeat si vénérées (notamment de ce coté-ci de la manche). Bref on aime à dire pour se moquer des groupes français qu'ils sont comme le vin anglais (ou comme Rock & Roll de Lennon hihi), une bien belle preuve du contraire ! On ne saura probablement jamais le fin mot sur "Omar m'a tuer" mais les Homards Violets étaient en tout cas de sacrés tueurs (au sens figuré même s'ils avaient des haches et des crans d'arrêt sur scène !). 

The Raspberries: gardiens powerpop

Dimanche dernier je regardai nonchalamment Capital sur M6, je fus particulièrement surpris de reconnaître les premières notes du riff de "Go all the way" des Raspberries dans une bande annonce pour une émission quelconque. Ce classique ultime de 1972 de la powerpop à la télévision française, quelle révolution ! En y réfléchissant bien, mon petit doigt m'a susurré à l'oreille la présence de la dite chanson dans un énorme blockbuster en 2014: Les Gardiens de la Galaxie. Cette rédemption d'un classique du genre par la culture mainstream en rappelle une autre: l'usage de "Baby Blue" en 2013 dans le dernier épisode de Breaking Bad. D'un coup ce morceau retrouvait ses attributs de tube pourtant effacé par les décennies d'ignorance... 

Badfinger et les Raspberries ont plus que cette réhabilitation en commun: ils sont, au coté de Big Star, Blue Ash ou Todd Rundgren, les premiers véritables groupes powerpop (bien que le terme sera effectif qu'à la fin des 70s via le militantisme de Greg Shaw et Bomp). Ils expriment d'ailleurs à mon sens mieux que quiconque à cette époque la quintessence du genre. En effet, les gallois comme les américains combinent à la perfection les éléments du style: des riffs musclés (powerchords?) à mi-chemin entre les Who (circa "I can't explain") et le hard-rock 70s (j'ai toujours trouvé qu'il existait une parenté entre "go all the way" et "alright now" de Free par exemple) avec une sensibilité British Invasion prononcée (harmonies vocales, d'excellentes accroches...). Dans les grandes lignes les Raspberries pourraient être les Small Faces 70s (plus que les Faces en tout cas!), Badfinger les Beatles (plus que les Wings ou John Lennon !). 

La powerpop est un genre génial et encore assez peu connu en France, aux USA j'ai le sentiment que le travail de labels actuels comme Burger ou Captured Tracks (qui réédite les excellents Milk N Cookies) porte ses fruits et d'un intérêt pour le genre. Parmi mes derniers coups de cœur: l'excellent album des EZTV porté par le superbe single "dust in the sky".  Il existe une scène française autour d'excellents groupes comme les Protokids, Crusaders of Love ou Departure Kids mais elle est plutôt confidentielle (comparée à la scène psyché ou garage en tout cas), d'autant plus qu'une partie des groupes en question est inactive ou joue très peu.

Revenons-en à "go all the way", c'est loin d'être mon Raspberries préféré ! Le groupe de Cleveland, fusion de deux groupes locaux très cool (The Choir "it's cold outside" et Cyrus Erie "get the message") a en effet enregistré une quantité incroyable de bons singles ("Let's Pretend" , "Overnight Sensation" évoqué ici même il y a ...8 ans et demi !). Si le riff de "go all the way" est absolument génial et prend tout de suite aux tripes mais j'ai toujours trouvé le refrain un peu niais... Je lui préfère largement "Tonight" (que je viens d'ailleurs récemment de trouver en 45T pressage français hihi) qui constitue selon moi un parfait équilibre entre énergie et sensibilité pop, bref l'essence de la powerpop ! 

Heaven 17: TB or not TB

Dans le dernier Trax, deux pages étaient consacrées à la mythique Roland TB303, l'un des instruments électroniques les plus fondateurs de la house et techno au même titre que les TR808/909. Produite entre 1982 et 1983 cette bassline à destination des guitaristes pour répéter (et produite en même temps que la TR606) fut un énorme échec commercial... Le son irréaliste, le séquenceur très particulier furent probablement les principales raisons de ce sabordage économique pour la marque culte japonaise. Pourtant, l'instrument après avoir fait le bonheur des soldeurs, se retrouva entre les mains de quelques mecs géniaux et désargentés de Chicago (Phuture: Herbert J, Spanky et bien sûr DJ Pierre) qui inventèrent l'Acid House ! Ce séquenceur mal-fichu (et ses capitales fonctions "slide" et "accent"), ce son résonant absolument démoniaque (merci le filtre très particulier de la bécane: un passe-bas avec une pente de 18 dB) furent alors les guides d'une résurrection spirituelle et psychédélique...

Si "Acid Tracks" est le morceau fondateur de l'Acid House ("I've lost control" de Sleezy D peut lui contester le titre!), beaucoup d'amateurs considèrent que "Ten Ragas To A Disco Beat" de Charanjit Singh comme peut-être l'exemple le plus probant de proto-acid house. Publié en 1982 selon la plupart des sources (discogs indique néanmoins 1983 ce qui aurait son importance comme on va le voir), c'est en tout cas une écoute intrigante  à défaut d'être si excitante que ça (désolé mais ça reste très kitsch non?). En tout cas, si la TB303 n'a pas marqué au départ la musique pop comme le Jupiter 8 ou la LinnDrum (qui étaient littéralement partout) je relève malgré tout quelques usages dans des tubes de l'époque, deux de 1982 me semblent particulièrement notables: "Rip it Up" d'Orange Juice et "Let me go" d'Heaven 17. J'aurais tendance qu'ils précèdent au niveau sortie "Ten Ragas" mais ils sont en revanche plus pop et classique dans leur usage du petit synthé de Roland (et donc techniquement moins proto-acid house !). Les écossais d'Orange Juice dégaine ainsi un de leurs plus grands singles avec une basse absolument fantastique programmée sur la petite boite argenté qui évoque curieusement "Chameleon" d'Herbie Hancock (qui n'a pas été programmé sur une TB303 évidemment). Autre usage dans un tube pop, les britanniques d'Heaven 17 et leur classique "let me go". Ce groupe fondé par deux ex-Human League (Martyn Ware et Craig Marsh) et Glenn Gregory au chant utilise ainsi la TB303 comme un gimmick tout au long du morceau, son usage s'apparente alors d'avantage à une séquence électronique comme pourrait en proposer Kraftwerk (une de leurs grandes influences même si ici déjà plus diluées que dans leurs premiers disques). Cet élément acide et presque menaçant tranche avec une production électronique soyeuse (pas si éloignée que ça d'ABC) et une composition qui une fois joué au piano pourrait tout à fait prétendre être un classique soul. Heaven 17 ont ainsi su trouver un équilibre entre pop et expérimentation en enregistrant ce classique absolu de la synth-pop. Enfin terminons ce petit texte sur les usages pop de la TB303 dans les années précédents la house en mentionnant l'incroyable "program for light"  de Section 25 (un groupe de Factory Records) de 1984: ce morceau sans être tout à fait de la techno (ou de la house) en prend dangereusement le chemin: instrumental, abstrait, mental et vrillé. Moins cité que "looking for the hilltop (megamix)" il est pourtant plus élégant et fin. N'hésitez pas à citer d'autres morceaux utilisant une TB303 dans ces années là (82-85) !

L'abbé Noel Colombier: Jerk la pierre

1968...le Printemps de Prague, les révoltes estudiantines en France, Amérique du Nord... et un abbé chante une ode à la tolérance face à l'adultère ! décidément une drôle d'année ! Il s'appelle Noël Colombier et est bien connu des milieux catholiques (plutôt progressistes) pour sa production musicale importante notamment dans les années 60/70 sur de nombreux labels spécialisés (Pastorale et Musique, Unidisc...). 

Cette année là, AZ, une maison de disque généraliste importante, publie ainsi un 4 titres du religieux, évoluant largement dans la chanson française comme le suggère "Merci Brassens". L'abbé y croque des personnages, les incitant à la tolérance et bienveillance. Les textes sont drôles et réussis à défaut d'être portés par une musique exceptionnellement dynamique...à une exception près, l'incroyable "jette la pierre" un jerk endiablé (hihi) où un orgue possédé (hihi) croise le fer avec guitares et flûtes. Aux manettes, nous ne sommes guère surpris de retrouver Bernard Gérard, un nom bien connu des amateurs de 60s pour sa participation à la magnifique BO de "Ne Nous Fâchons Pas" ("Rosbif Attack" etc.). Les disques catholiques français même s'ils n'ont pas la richesse des disques "Xian" (christian avec X pour cross) américains ou anglais (pas mal de disques de beat chrétiens!) réservent de très belles surprises d'une époque où le rapport entre séculier et religion était peut être moins tendu qu'aujourd'hui. J'aurais ainsi certainement l'occasion d'en évoquer d'autres de la même période... Pour ceux qui ne pourraient attendre la compilation Alleluia Garanti offre quelques pistes intéressantes et une bonne introduction aux saintes écritures pop !

    

Space: l'espace d'un instant

La French Touch des années 90 fut à bien y regarder une nouvelle vague de musique électronique façonnée en France. En effet, une vingtaine d'années plus tôt, la France découvrait le synthétiseur aux rythmes (plus ou moins) effrénés de Jean Michel Jarre, Space Art (à ne pas confondre avec), Space... Bien sûr les vrais savent l'importance d'Heldon, Richard Pinhas, Vidéo-Aventures et quelques autres mais ces derniers n'eurent pas le même succès populaire, ils ne marquèrent donc pas autant l'imaginaire collectif bien que leur rôle en terme d'expérimentation puisse s'assimiler à celui qu'eut le Velvet pour les punks: des gens qui donnent envie à d'autres gens de faire à leur tour de la musique.

L'électronique est un genre qui en France semble avoir été très tôt associé à la notion de futur, je ne sais pas si c'est autant généralisable ailleurs (ce n'est pas tellement le cas en Allemagne par exemple)... Space représenterait ainsi une vision optimiste naïve voir un brin kitsch de l'avenir quand Pinhas en serait une face plus sombre et déglinguée abreuvée à la Science Fiction "New Wave" de Norman Spinrad ou Michel Jeury. En tenues de cosmonautes anonymes (un look proche des Rockets) Didier Marouani (aka Ecama) et les autres membres de Space connaissent un énorme succès international avec leur single "Magic Fly" et l'album du même titre. Je ne goûte pas tous les morceaux, c'est souvent un brin trop "disco cheesy sexy" pour mes oreilles d'esthète snob mais certains morceaux un charme suranné et gardent une partie de leur aura notamment "Magic Fly", odyssée disco cosmique avec une ligne de basse morodoresque et des nappes plongées dans des tourbillons de phasers... L'espace d'un instant et pour le prix d'un café plongez dans le cosmos de votre enfance. Un programme peut-être déjà proposé par Rekal Inc !

Marc Aryan: n'est pas un bon à rien

Henry Markarian plus connu sous le nom de Marc Aryan (quel jeu de mot!) est un chanteur de variété des années 60-70 très populaire en France (particulièrement dans le nord semble-t-il) et en Belgique. Il s'y établit d'ailleurs là bas dès 1963 créant un studio dans lequel une partie du dernier LP de Marvin Gaye sera enregistré avec la contribution méconnue mais essentiel du Belge Freddy Cousaert figure incontournable des "Popcorn Oldies", ce cousin continental de la Northern Soul ! 

Revenons en à Marc: d'une famille d’immigrés arméniens mais de nationalité libanaise, il naquît à Valence et tenta de se lancer dans la chanson à 18 ans. Après de multiples refus de la part des éditeurs, il prît l'initiative de créer son propre label (Markal) au début des années 60 (vers 1963 probablement - wikipedia évoque 1969: cela semble faux car certaines références du label sont  plus anciennes). Il obtînt un succès considérable avec le slow "Katy" l'établissant définitivement dans le game de la variété. Sa voix très particulière entre orient et occident avec un trémolo chevrotant peut autant séduire que laisser circonspect, en revanche l'indépendance du bonhomme vis à vis du système est aussi admirable qu'intéressante pour nous. Marc Aryan a eu le bon goût de laisser ici et là des morceaux étonnants au delà du prisme de la variété pure et dure... La plus connue de ces chansons est certainement "Liberté" la face B du slow (assez difficile à écouter pour le rockeur que je suis) "La Lettre". Évoluant quelque part entre "Superstition" de Stevie Wonder (le riff de clavier et la rythmique en sont clairement inspirés) et "Venus" de Shocking Blue (citée dans la seconde partie), voilà une chouette face B de Marc Aryan à se mettre dans les esgourdes: il marque des points ! Vous pourriez être tentés d'imaginer qu'il s'agit de la seule intéressante du bonhomme (comme cela arrive si souvent en variété de ces années là honnêtement), ce n'est pas le cas (je vous laisse le plaisir de les découvrir), Marc Aryan n'est certainement pas un bon à rien !

Monty: plus yeh yeh que yéyé

Jacques Bulostin est-il un trésor caché de la pop française sixties? Vous connaissez mon intérêt de longue date pour les disques de l'hexagone de cette période si particulière, pourtant je n'avais jamais réellement pris le temps d'écouter Monty...Son image de jeune premier renvoie immédiatement à celle de Frank Alamo temple de la niaiserie et toute l'horreur yéyé (quoi qu'on doit probablement pouvoir sauver une ou deux choses chez lui comme le "mods & rockeurs" de Sardouille). Pourtant Monty, à bien des égards, est un cas à part dans la pop française: il a la classe et des arrangements qui  tabassent. Il y a bien sûr pas mal d'adaptations (le lot de nombreux d'entre eux, avant que la classe 66 ne vienne foutre le dawa et redistribuer les cartes) mais elles balancent, ça joue ! L'intéressé a aussi écrit de super originaux d'ailleurs ("j'ai traversé l'enfer" et sa fuzz bien sentie)... 

Entre 1964 et 1966 chaque EP de Monty contient donc au moins un (très) bon morceau ("que me reste-t-il", "même si je suis fou"...), bonne nouvelle: ils sont courants et donc peu chers (à part "j'ai traversé l'enfer" bien que simple à trouver à moins de 10€ en réalité). Prenons par exemple "Un verre de Whisky" - un disque de 1964 que l'on voit assez régulièrement à quelques euros (0,5-1,2...) - il s'agit d'une excellente adaptation de "Can I Get a Witness" classique Motown écrit par les immenses Holland-Dozier-Holland et interprété avec une certaine sensualité par Marvin Gaye... Le petit français se défend très bien face à l'ancien boxer américain, plus nerveuse et jazzy sa version tient très bien la comparaison. Monty y est élégant et sobre, son vibrato pastel  y faisant des merveilles. Le répertoire rhythm and blues qu'explore Monty dans les premiers eps lui convient particulièrement bien, il évoque ainsi un croisement heureux entre Ray Charles, Dion et Georgie Fame. À ce difficile exercice du chant en Français Monty adapte avec ses mots, les fait sonner sans forcer ni chercher l'absolue fidélité à l'originale: une excellente stratégie. Bien que le reste de l'EP soit assez anodin, "Un verre de Whisky" est une excellente cover faisant honneur à l'original dont l'orgue plus proche de... "yeh yeh" que des yéyés ! Oserions nous dire que Monty est esthétiquement plus proche de la musique qu'écoutaient les mods que Dutronc?