En 1969, Jean Ferratenregistre un titre fort éloigné de son répertoire habituel largement dédié à la chanson française engagée à texte. Ainsi celui qui mit en musique des poèmes d'Aragon (que mon prof de français nous fit écouter en seconde ahah) écrit "Intox" une plongée dans le psychédélisme et les opiacés. Aux manettes des arrangements: le seul et unique Alain Goraguer, collaborateur de longue date de Jean Ferrat et de nombreux autres artistes français comme France Gall ("Poupée de Cire Poupée de Son" ou "Les Sucettes"), ce dernier construit un écrin coloré et ambitieux de percussions, sitar, guitare wah wah et orgue en parfaite harmonie d'un texte délirant mais acerbe de Ferrat autour de la drogue et la télévision (une autre forme de drogue clairement)....Et si mon prof de français nous avait fait écouter ce morceau?
Aussi étonnant que cela puisse paraître, malgré presque 1000 entrées, je n'avais jamais jusqu'ici évoqué directement les Small Faces sur ce blog. Lors de mon dernier périple londonien j'ai trouvé la version 45T simple de "Sha-La-La-La-Lee" anglaise. Je possédais déjà le EP français correspondant (le visuel utilisé pour illustrer l'article) mais pour les dj set ou même écouter chez soi à plein volume rien ne remplace un simple ! Les simples ont généralement l'avantage de mieux sonner (deux fois moins de musique par face ça aide) et d'être aussi souvent moins chers que les EP français plus rares et très collectionnés à cause de leurs (beaux) visuels.
Les Small Faces sont une des formations majeures du mouvement mod au coté des Who. Le courant modernist embrase l'Angleterre au milieu des années 60. Il s'inspire des films de la Nouvelle Vague et italiens du début de la décennie. Au départ, il concerne avant tout des amateurs de jazz moderne par oppositions aux trads. La figure du mod va progressivement s'éloigner du jazz pour aller vers la soul (Motown), le jazz-soul (Georgie Fame, Booker T & The MGs etc.) mais aussi le rock pop art des Who qui adoptent ce look vers 1964 à l'époque des High Numbers. Dès lors les mods peuvent envahir les plages de Brighton et se bastonner avec les rockeurs restant, symbole de l'ancien monde, des années cinquante révolues. Les mods sont les années soixante: issus de la classe moyenne naissante, ils roulent en scooter Vespa ou Lambretta, portent des costumes ou des robes aux coupes soignées et adoptent les coiffures french line, ils expriment la modernité d'un pays en forte croissance économique où les adolescents et jeunes adultes découvrent les vertus du pouvoir d'achats et de la consommation. Dès 1967 les mods se délitent et évoluent progressivement vers le psychédélisme, la northern soul et le ska des skinheads mais ceci sont d'autres histoires !
Les Small Faces empruntent directement leur nom au mouvement: un face est une figure, un mec important. Mené par l'incroyable chanteur Steve Marriott, l'une des plus belles voix du rock britannique de l'époque, le groupe se compose également de Ronnie Lane, Kenney Jones et l'excellent organiste Ian McLagan. Le groupe obtient un succès considérable dans le pure style pop art chez Decca avant de signer sur le label d'Andrew Loog Oldham, manager des Stones: Immediate. Leur son évolue alors vers le psychédélisme ("Itchycoo Park" youtube) assez typique de l'Angleterre de la seconde moitié des années soixante autour de thématiques bucoliques et nostalgiques. En 1969 le groupe splitte en deux autres formations: Steve Marriott part fonder Humble Pie avec le guitariste Peter Frampton tandis que le reste du groupe se déleste de son Small pour devenir les Faces avec Rod Stewart au chant.
"Sha-la-la-la-lee" (youtube) exprime la quintessence du son pop art cher aux Who et aux autres formations mods britanniques (The Creation): musique beat aux mélodies pop soignées et aux powerchords de guitares puissantes et lacérées de feedbacks. L'autre face a peut être ma préférence et évoque quant à elle un autre angle de la musique mod anglaise plus influencée par le jazz américain. Ainsi l'excellente "grown your own" est un instrumental fiévreux autour d'un orgue déchaîné, il fait écho (tout en étant plus rock et sauvage) aux disques de Georgie Fame, des Artwoods ou Brian Auger. Vous aurez donc deux bonnes raisons de prendre ce simple la prochaine fois que vous le croiserez !
Aujourd'hui une sympathique obscurité de la fin des années 70 ramené de Lyon "Disco Computer" de Trans Volta. Derrière cet anonyme pseudonyme se cache Dan Lacksman. L'intéressé est un des trois membres fondateurs de l'excellent groupe de pop synthétique Telex. Je ne sais pas si ce disque est postérieur ou antérieur à la création de la formation (1978 pour les deux) néanmoins il ne s'agit pas de la première trace discographique de l'intéressé. Loin de là !
En 1978, Lacksman a déjà une dizaine d'année d'expérience dans les studios et enregistré plusieurs disques dont certains ayant eu du succès (biographie). Il s'achète en effet un synthétiseur en 1970 et enregistre comme beaucoup de pionniers de la musique électronique des hits novelty avec l'instrument comme "Flamenco Moog" (youtube). Sur l'album figure bien entendu une reprise de "Pop Corn", passage obligé de l'époque auquel n'a pas non plus échappé Jean Michel Jarre (on y reviendra) ! À la fin des 70s il enregistre donc en compagnie de Douglas Lucas (au CV chargé: le JJ Band de Jess & James, les Chakakas...) ce deux titres (variantes de la même chanson) dans une mouvance à mi-chemin entre Kraftwerk (le vocoder, la thématique futuriste) et Moroder (la rythmique puissante et dansante), une excellente surprise qui devrait combler d'aise les fans de Telex (ceci dit je pense que la majorité d'entre eux connaissent déjà le morceau!).
Après Rare Bird et The Gun continuons d'explorer les richesses en 45 tours du royaume britannique de la fin des années 60 en accueillant les gallois de Man un groupe formé sur les cendres des Bystanders, groupe bien connu des adeptes de popsike. Pour la biographie je vous laisse le soin de vous renseigner sur l'excellent article anglophone de wikipedia, leur changement de nom intervient quand les membres décident de s'orienter vers un rock psychédélique largement construit autour de jams fiévreux.
Nous allons nous intéressé aujourd'hui à ce qui est probablement leur plus gros hit en France malgré que le titre eut été banni des fréquences britanniques à cause de son caractère éminemment pornographique: "erotica". Il est aisé de comprendre l'origine de la censure dès les premières mesures... Le morceau simule (hihi) un orgasme sous fond de rock psychédélique et acide d'excellente facture. Il est évident que le caractère novelty de la chose a probablement fait vendre pas mal de copies, il n'empêche que ça reste un super morceau, pas très compliqué à trouver et bien mindfuck accompagné d'une face B plutôt très cool ("Don't Just Stand There" à écouter sur youtube) !
Le dernier article sur The Gun m'a donné envie d'écrire sur un autre groupe britannique de la même période bien connu des amateurs de brocantes et autres adeptes des bacs bon marché. En 1970, le slow "Sympathy" (youtube) des londoniens de Rare Bird est un énorme tube en France, il est d'ailleurs possible de l'entendre de temps en temps sur Nostalgie... Il s'inscrit tout à fait dans son époque, écho plus sombre et moins langoureux d'un "Whiter Shade of Pale" de Procol Harum. Comme pour de nombreux autres One Hit Wonders la chanson n'est pas nécessairement représentative du reste du répertoire du groupe. En effet, Rare Bird était d'avantage une formation prog rock, leur premier album fut d'ailleurs la première référence du label Charisma (biographie) très à la pointe du genre (The Nice, Genesis, Hawkwind et d'autres noms parfois moins avouables comme Alan Parsons Project ahah). Le groupe a la particularité de ne pas avoir de guitariste mais deux claviéristes (orgue et piano électrique), Rare Bird est pourtant capable de sonner sacrément heavy comme le prouve "Devil's High Concern" la superbe face B (pas extraite d'un de leurs albums) de leur tube qui ravira les amateurs de Deep Purple ou Uriah Heep, un disque excellent qu'il est pourtant presque indécent de payer plus d'un euro tant il est commun.
Le Hard Rock naît à partir de la fin des années 60, il est difficile de situer précisément le premier simple ou album à définir le genre tant l'idée est dans l'air du temps dans l'après summer of love de 1967. Deux disques britanniques se détachent cependant: Truth de Jeff Beck en 1968 et le premier album de Led Zeppelin l'année suivante. Ils sont précédés par de nombreux disques, qui s'ils ne remplissent pas tout à fait le cahier des charges s'en rapprochement conséquemment. Je pense notamment au power trio Cream ou aux américains de Blue Cheer ("summertime blues" en 1967) ou Iron Butterfly (et leur classique "In a Gadda-da-Vida" en 1968).
"Race with the Devil" d'un autre power trio, The Gun (biographie) est un excellent exemple de ces chansons qui se dirigent progressivement vers le Hard Rock tel que nous le définissons aujourd'hui. Bien sûr les arrangements riches de cuivres jurent un peu avec l'énergie brute que l'on est en droit d'attendre dans le registre, cependant le jeu de guitare ultra véloce d'Adrian Gurvitz envoie les Gun dans la sphère proto-hard rock: il est d'ailleurs repris notamment par Judas Priest au début des années 2000. Au fond, peu importe, "Racewith the devil" en plus d'avoir été un tube à l'époque reste un super morceau aujourd'hui, témoignage vibrant d'une Angleterre s'éloignant du Swingin' London pour entrer dans les seventies. Cerise sur le gâteau, le pressage français du 45 Tours est assez commun et pas cher (j'ai payé ma dernière copie un euro) et propose une super face b psychédélique avec "Sunshine" que je préfère presque.
J'ai de plus en plus de difficultés à trouver des 45T dans les bacs non triés pourtant quel plaisir que de découvrir un bon morceau sur un 7 pouces payé cinquante centimes ou un euro ! Dans mes récents bonheurs bon marché le 45 tours de Nicoletta que je vous présente aujourd'hui: édité en 1969, pris pour un modeste euro en 2016.
Une règle tacite de la variété française des années 60 voudrait qu'il existe au moins un bon morceau pour chaque chanteur français, y compris les plus farouchement à l'opposé de ce qui nous intéresse ici ! Nicoletta est clairement loin d'être la plus éloignée de notre univers. Son style vocal, expressif tourbillonnant et ample est parfois exagéré pour mes chastes oreilles mais elle est une dame de la chanson qui sait mettre des tripes et du cœur dans ses interprétations. Nicoletta est ainsi presque à l'opposé de certaines chanteuses yéyé nunuches et creuses pourtant presque du même âge (bien sûr je ne pense pas à France Gall qui est la grâce incarnée pour moi à cette époque). À la niaiserie de l'adolescence elle oppose une certaine maturité probablement inspirée par sa biographie complexe et dure (wikipedia). J'avais jusqu'ici repéré en 45 tours "Visage" (youtube) enregistré en compagnie des proggeux de Zoo (décidément abonnés aux backing bands des chanteurs de variété notamment Eddy Mitchell), je peux aujourd'hui y ajouter "Qu'est ce que tu fais sans moi" arrangé par l'un des hommes de l'ombre essentiel de la variété frenchy de ces années là: Jean Bouchéty (wikipedia). Si le morceau aura du mal à trouver sa place dans un dj set pour danser, il est très agréable dans le cadre d'une écoute domestique. L'orchestration est superbe (notamment l'usage délicat de la sitar et des percussions), elle sert une très belle composition ambitieuse évoquant en filigrane (selon moi) le travail de Burt Bacharach (et Hal David bien sûr). Bref on s'éloigne certes du freakbeat et du garage cher à ce blog mais parfois il est agréable de reposer les oreilles avec de la musique bien enregistrée et pensée non ?
Aujourd'hui je vous présente une de mes récentes trouvailles lyonnaises: le premier 45 Tours de Casino Musicun duo parisien formé à la fin des années 70 et plus particulièrement la face B de ce simple "Viol AF 015". Comme certains d'entre vous, je l'ai découverte sur la compilation BIPPP éditée par Born Bad il y a dix ans (discogs), elle reste d'ailleurs à ce jour une de mes contributions préférées avec "Ping Pong" d'Act. Le 7 pouces est l'unique sortie du label Vid Ordur, une structure créée par l'animateur de radio Alain Maneval qui a entre autre été directeur des programmes d'Arte et enregistré un curieux (et étonnant) morceaux acid house oriental quelques années plus tard ("souviens toi du futur" youtube).
Mais revenons-en à nos Casino Music. L'ossature du groupe est formée par Gilles Riberolles et Eric Weber. Ils répètent à la fin des 70s dans une cave à Saint Mandé (94 sisi) en compagnie de Philippe Chany (futur auteur de "C'est la Ouate") et Didier Esteban...frère de Michel Esteban dont on va reparler dans quelques instants (bio du groupe sur wikipedia). Le groupe édite donc un premier 45T avec "Burger City" et le sus-mentionné "Viol AF 015". Les deux faces sont en phase avec leur époque mais à différents points cardinaux: ainsi l'excellent morceau occupant la A évoque la disco déviante des Garçons (sans Marie) qui deviennent d'ailleurs leurs collègues de label sur ZE fondé entre autre par... Michel Esteban. En effet, après ce simple Casino Music s'envole pour New York et enregistre un attachant disque de dance music oblique ("Amour Sauvage" ou "Jungle Love") porté par l'incroyable single "faites le proton" dont on devrait reparler un jour. "Viol AF 015" reste relativement unique dans la discographie du groupe, ce post-punk brûlant, sec et anguleux est un petit chef d’œuvre de rock français, les textes ne feront pas l’unanimité en ces temps de bienpensance politiquement correct pourtant leur folie paranoïaque et dystopique a plus à voir avec la science fiction nouvelle vague de Philip K. Dick qu'avec le machisme du rock de stade de l'époque.
Il y a quelques semaines nous évoquions Henri Salvador. Ce dernier en plus de sa propre carrière produisit des groupes et artistes distribués par Philips, puis sous son propre label Rigolo. Parmi eux Tiny Young ou Les Bretell's qui nous intéressent plus particulièrement aujourd'hui. La description au dos de leurs premiers EP sorti en 1963, signée de Salvador, explique le curieux choix de nom: à l'époque des chaussettes j'ai pensé que pour compléter l'habillement de la chanson il fallait des bretelles. Les voici donc en musique. Au delà d'un certain manque d’enthousiasme pour décrire ses poulains, Henri Salvador confirme que le rock n'est pas trop son truc, peut être une question de génération...
S'il est un des premiers artistes à avoir enregistré du rock & roll en France en compagnie de Boris Vian et Michel Legrand sous le nom d'Henry Cording (youtube), le propos est ironique, les intéressés n'y voyant qu'une mode passagère (wiki) ! Il récidive donc sept ans plus tard en lançant une pique aux groupes twist et notamment les Chaussettes Noires d'Eddy Mitchell (et de Créteil, sisi!). Quoi qu'il en soit nos Bretell's n'évoluent pas tellement dans un registre rock & roll, nous restons dans le spectre d'influences chères à Henri Salvador: jazz, musique brésilienne et latine (notamment bossa nova) etc. et ce, malgré la volonté affichée de pasticher le twist des rockeurs français. Le résultat est néanmoins tout à fait charmant. Chacun des quatre morceaux est d'excellente facture. Deux évoquent des twists ("Lulu d'Honolulu" et "Ne Dis Pas"), "Vous" est un joli slow (youtube) et enfin "Marchand de Melons" est une reprise étrange et amusante du classique d'Herbie Hancock "Watermelon Man" (youtube). Au jazz se substitue un rythme latin, très certainement influencé par Mongo Santamaria (youtube) mais rien ne prépare aux paroles...Elles oscillent entre la connerie abyssale et le génie, elles semblent volontairement stupides et novelty ce qui les rends d'autant plus terribles. Notons les interventions d'Henri Salvador qui ponctuent la chanson de ses rires et enfin d'un très cool solo d'orgue, la dernière touche à cette fascinante reprise d'un classique ultime du jazz.
The Byrds est un de mes groupes fétiches avec Big Star, The Beatles et The Zombies, par conséquent il m'est difficile d'écrire sur eux, cette maudite peur de ne pas être à la hauteur ! Ainsi n'ai-je jamais consacré d'articles directement sur ces Oyseaux là et pourtant ils sont si souvent présents ici ! Je les mentionne en effet très régulièrement... En toute franchise, je ne suis pas un inconditionnel de tous leurs albums: j'ai toujours un peu de mal à être à fond sur la période Gram Parsons (Sweetheart Of The Rodeo en 1968) et bien sûr les albums tardifs (à partir de Ballad of Easy Rider en 1969) ne sont tout de même pas aussi bons malgré quelques morceaux fantastiques (par exemple "Gunga Din" écrite par le batteur Gene Parsons, à écouter ici). Deux albums ont spécialement mes faveurs: Younger Than Yesterday (1967) et The Notorious Byrd Brothers (1969), deux 33 tours proches de la perfection et parmi mes favoris de tous les temps, ce qui ne retire rien au mérite des autres que je chéris presque tout autant !
Contrairement à d'autres formations comme les Beatles ou dans une moindre mesure les Stones, les Byrds n'ont jamais été un groupe très stable en terme de line-up. Le seul membre permanent fut Roger McGuinn, le guitariste aux lunettes rectangulaires et au merveilleux son de 12 cordes. À l'inverse de The Fall (Mark E. Smith aurait dit quelque chose comme ta grand mère et moi c'est The Fall) les Byrds n'ont cependant pas été un prête-nom pour le seul McGuinn, chaque grande époque a ainsi vu l'émergence de super songwritters en plus des excellents contributions de Roger que nous aurions tord de négliger. Cette remarque en soulève une autre: les Byrds sont avant tout connus pou des reprises, en particulier de Dylan (Mr Tambourine Man ou My Back Pages) et savaient pourtant écrire de fabuleuses chansons...Parmi les songwritters les plus reconnus figurent en bonne place le facétieux David Crosby, sa moustache de gaulois, ses tenues d'elfe et le ténébreux beau gosse Gene Clark. Moins identifié Chris Hillman fut pourtant une pierre angulaire du groupe notamment sur mes deux albums fétiches.
De g. à dr.: Crosby (gtr), Hillman (basse), Clark (tamb.), Clarke (bat.), Guinn (gtr 12)
Cette ouverture du groupe en terme d'écriture a certainement contribué à l'évolution passionnante de la musique des Byrds au long de la décennie. La formation fut en effet à la pointe de nombreux genres musicaux en quelques années seulement: des débuts folk-rock jusqu'à la country-rock en passant par le rock psychédélique qu'ils contribuèrent largement à définir avec le génial "8 miles high" en 1966. Mais revenons en un an plus tôt, le 12 avril de cette année là, les californiens publient leur premier single (certes précédé par le simple des Beefeaters en 1964), une reprise de Dylan ("Mr Tambourine Man") accompagné d'une composition de Gene Clark ("I knew I'd want you"). Le 45 tours est l'acte fondateur du folk-rock, il est certes devancé de quelques mois par "Laugh Laugh" des Beau Brummels, mais à l'inverse de ce dernier très marqué par la British Invasion, il contribue à créer une réponse américaine aux Beatles sans complexe vis à vis des Liverpuldiens. Il y a surtout LE son, celui des rickenbackers 12 cordes carillonnantes jouées en arpège...Le jangle est né ! Bien sûr, il existe des précédents ("Words of Love" de Buddy Holly, "what you're doing" des Beatles, "Needles & Pins" des Searchers), mais aucun ne met autant en valeur les 12 cordes et ne créé de fait un courant... Le son jangly ne doit pas être confondu avec d'autres sons clairs de guitare, notamment le twangy cher au Rock & Roll et à la Country: le jangly tire profit des demi-caisses des Rickenbackers, des cordes sympathiques (wikipedia), du chorus créé par l'accordage dans la même octave des cordes les plus aiguës et enfin est généralement compressé pour augmenter la portée du sustain, le tout avec un réglage très clair des amplis (voir directement dans la console) et surtout pas de saturation ou de crunch... Il en résulte ce son absolument magique, limpide, cristallin et si beau qui caractérise les disques des Byrds. Bien sûr ces derniers furent grandioses pour magnifier la sonorité en y amenant cette sensibilité folk américaine qui les caractérisent (jeu en arpège etc.)...
"All I really want to do", second simple du groupe, précède de quelques jours la sortie du premier album des Byrds. Il suit les recettes de "Mr Tambourine Man" en associant une reprise de Dylan et une composition de Gene Clark, placée en face B, l'incroyable "I'll Feel a whole lot better". Le titre original est devenu un classique du groupe: il n'a pas le statut de tubes comme peuvent l'être "8 miles high" "turn turn turn" ou "I wasn't born to follow" mais jouit d'un culte chez les nombreux amateurs des Byrds. Il faut dire que la chanson est un bijou de pop typique de la première période de la formation. Dès les premières secondes, le motif de guitare jangly provoque les premiers émois, la voix country laidback de Gene continue de saper vos dernières résistances, les harmonies typiquement byrdsiennes du refrain vous enchantent et enfin le solo de guitare si original vous porte l'estocade. Très judicieusement inspiré de "needles & pins" des Searchers, ils sont ainsi nombreux à avoir repris "I'll feel a whole lot better", des Flamin' Groovies (youtube) à The Coral (youtube) en passant par Tom Petty (youtube), autant de témoignages de l'énorme influence du groupe sur de nombreuses formations géniales.
En rédigeant le dernier sujet de ce blog, j'ai cité "Noir c'est Noir" de Johnny Hallyday. Vous vous souvenez peut-être que j'avais évoqué il y a quelques années les morceaux instrumentaux du 45 Tours, interprétés par son groupe franco-anglais les Blackburds (archive). En fouillant les recoins de ce site fort bien fourni avec le temps (nous approcherions des 1000 articles murmure la régie), il n'a jamais été question de défendre directement le plus français des belges (ou le plus belge des suisses!). Il était temps de rendre hommage à ce monument du Rauque (fort) français qui malgré bien des défauts (vous les connaissez aussi bien que moi) impressionne par la longévité de sa carrière et son énergie sur scène.
Vous l'avez remarqué, je n'ai pas insisté sur sa discographie, elle oscille entre peu attrayante pour l'esthète snob que je suis et franchement très cool. Cela peut surprendre, mais notre star nationale a enregistré d'excellentes choses ! Il y a bien sûr sa période twist/rock & roll , je ne la maîtrise pas assez pour vous dénichez ici les moments de bravoures d'Hallyday, mais il y en a sachez-le. En revanche j'ai eu un peu plus l'occasion de fouiller dans la seconde moitié des années 60 et je suis plutôt content de ce que j'y ai pêché. Là une très bonne reprise de "Hush" (francisé en "Mal"), meilleure probablement que la version de Deep Purple, ici d'honorables covers de soul de "Knock on wood" et bien sûr le rock chauffé à blanc, limiteurs dans le rouge, d' "À tout casser" (youtube). Autre temps fort de cette seconde moitié des années 60: "Psychedelic".
Resituons l'effort: 1966 marque l'arrivée en force d'une nouvelle génération de chanteurs, qui à l'inverse de leurs ainés, composent leurs propres morceaux. Antoine, Nino et Dutronc ringardisent ainsi les yéyés qui se contentaient souvent de reprendre les succès anglo-saxons en français. Antoine pousse le vice jusqu'à vouloir mettre Johnny en cage à Medrano (wikipedia), ce dernier lui répondra du tac au tac "Cheveux longs, idées courtes". Les déjà vétérans Johnny, Eddy et Dick doivent ainsi se réinventer: le rock & roll et le twist qui ont fait leur renommée appartient au passé et n'est pas encore assez ancien pour faire l'objet d'un revival (qui interviendra quelques années plus tard avec Sha Na Na mais aussi Au Bonheur des Dames en France). Si les intéressés sauront adaptés la soul music à la popularité grandissante, ils tentèrent, plus ou moins adroitement, de coller aux tendances. Il est ainsi rafraichissant de constater l'effort de Johnny en 1967 pour coller à la mode hippie fort éloigné du look blue jeans de ses premières années. Hallyday fait le même virage discographique en reprenant "San Francisco" du one-hit wonder Scott McKenzie (mais écrite par John Phillips des Mamas & Papas). Le résultat, sans être honteux, ne fait pas honneur aux qualités du rockeur français: le bagarreur devenu pacifique pour la (bonne) cause... de là à inspirer "Hippie Hippie Hourrah" de Dutronc ? Peut-être, néanmoins, vous le savez déjà, le temps fort de l'EP est ailleurs...
"Psychedelic" est la bombe atomique du 45 Tours. Co-écrite par Johnny avec l'aide de Mick Jones, Tommy Brown (les lascars à l'origine du classique popsike/freakbeat "the Bird" - youtube) et du parolier Georges Aber et enregistré à Londres sous la supervision de Glyn Johns, la chanson est un monument de garage psychédélique francophone. C'est en partie grâce à Jimmy Page: l'infatigable session-man (la preuve) illumine la composition d'une fuzz fantastique ultra énervée. La prestation de Johnny est cependant impeccable. "Psychedelic" carbure plus aux amphets qu'à l'herbe: speed et violent comme une descente de trip, une grosse baffe sonique.
Disque bien connu des bacs pas chers, ce 45T de Jacques Dutronc est plus mémorable pour sa face B instrumentale que le générique proposé en A. Si de 1966 à 1968 le parisien est au top de sa forme et presque toujours pertinent, par la suite les choses se compliquent: entre variété blague et bons morceaux ("à la queue les Yvelines" ou "Je suis content"), il devient plus difficile de s'y retrouver..."L'Arsène" est ainsi clairement sans grand intérêt, du Dutronc petit bras, loin de sa verve et la férocité des disques de ses classiques de 1966. Le 7 pouces présente néanmoins un réel intérêt grâce à "Stercock" un titre instrumental de bonne facture signé Georges Raudi et son Orchestre. Ce dernier, généralement orthographié Georges Rodi (voir sa page discogs), a participé à l'excellent groupe instrumental Les Schtrumpfs (discogs) en tant qu'organiste. Il pourrait avoir également participé au groupe progressif Sandrose (issu de la super formation Eden Rose), cependant il n'est pas crédité pendant l'enregistrement du LP, cette information reste donc conditionnelle.
La pratique consistant à caler un instrumental pour compléter un 45 tours semble assez commune. J'ai en tête au moins deux autres exemples. En 1966, les Blackburds occupent la moitié de l'EP "Noir c'est Noir" de Johnny, selon toutes vraisemblances pour des raisons assez dures (je vous laisse chercher l'information). La même année, le premier EP des Charlots (ex-Problèmes) comporte également son lot d'instrumentaux de bonne facture: à n'en pas douter au départ la chanson avec le fameux "Chauffe Marcel" était considérée comme une pure récréation et il n'avait pas été envisagé que le disque puisse autant cartonner (surtout que le groupe sérieux peinait à marcher comme les collègues de labels Dutronc ou Antoine). J'imagine donc qu'il a été pioché ou composé en vitesse des instrumentaux pour compléter le disque et pouvoir le sortir en EP... Ainsi il n'est même pas certain que les Problèmes jouent effectivement dessus !
Sur le 45T de Dutronc: pas de problèmes, l'auteur et interprète est bel et bien crédité, le fameux Georges Raudi que nous mentions au début de cet article. Je n'ai pas d'informations pour détermnier si le morceau est extrait de la BO de la série ou s'il a été spécialement composé pour le 45T. Peut-être s'agit encore une fois d'un morceau pioché quelque part pour remplir une face... Dans tous les cas, en 2016, il est possible de s'en réjouir car "Stercock" est la vraie surprise et la meilleure face de ce simple: un instrumental groovy dominé par un piano et d'excellente facture dans la veine du Googie Rene Combo ou de Booker T and the MGs par exemple. Le riff de guitare ressemble d'ailleurs pas mal à "Soul Finger" des Bar-Kays (moins l'instrumentation qui ne fait pas appel aux cuivres). Peut-être pas un indispensable mais un super titre que vous pouvez trouver très facilement pour une somme dérisoire !
Longtemps les premiers cycles des années 70 furent ma hantise, un repoussoir à l'amateur de garage et de pop baroque que j'étais (et suis toujours!). J'avais à n'en pas douter une image faussée de ce qu'est réellement le début de cette décennie. Je n'y voyais que ce rock conquérant et plutôt barbant que représente Led Zep' ou Deep Purple, éventuellement du rock progressif tout aussi lénifiant et prétentieux, idéalement avec une pochette de Roger Dean (Oui je parle de toi Yes)... J'étais jeune, j'avais besoin de me confronter à un ennemi, fut-il un peu trop monté en épingle pour apparaître plus féroce qu'il ne l'est réellement. En effet, j'ai appris à dissocier ces groupes de leur aura, j'ai ainsi pu aimer ce qu'ils étaient (dans une certaine mesure) en me détachant de ce qu'ils représentent aux yeux de beaucoup et qui m'horripile tant: des figures mythologiques vénérées comme le veau d'or, des vaches sacrées sur lesquelles il me tardait de blasphémer. Au fond il était peut-être plus question de guerre de religions que de défendre le libre arbitre: les années soixante peuvent à bien des égards devenir un culte de dévots zélés tout aussi peu ouverts sur le monde extérieur que les amateurs de Led Zep qui ne jurent que par le Jack Daniel's et la Les Paul gold top... Je ne prétends pas être totalement sortie de la chapelle sixties (mais en ai-je réellement envie?) cependant j'ai su, je l'espère, m'ouvrir à d'autres sensibilités...
Je suis ainsi tombé sous le charme d'une certaine pop 70s, loin d'être en rupture avec la précédente décennie, celle continue d'explorer des chemins ouverts quelques années plus tôt. Parmi mes figures favorites (et mon panthéon pop personnel) apparaissent ainsi ELO, Roy Wood (Wizzard), Emitt Rhodes (ex Merry-Go-Round), Big Star, Badfinger, Raspberries et bien sûr Todd. Parlons-en tiens du père Rundgren...Membre éminent des Nazz, l'américain créa une des plus passionnantes discographies des années 70 autour de fantastiques classiques comme "A Wizard A True Star" ou "Something / Anything ?", son label édite également un petit groupe californien (de Los Angeles): Halfnelson. Cette formation est une affaire de frangins, elle comporte ainsi deux fratries: les Mael (Ron et Russell) bien sûr mais aussi les Mankey (Earle et Jim). Devenu Sparks, le groupe sort deux albums pour le label de Todd avant que les frères Mael ne décident d'aller s'installer à Londres, Earle resté à LA produira (parmi d'autres comme 20/20 ou les Paley Brothers) quelques années plus tard, en 1976, "Mondo Deco" l'unique album de The Quick (blog) dont la ressemblance avec Sparks est frappante ! Signés par le label Island, Ron et Russell remontent la formation avec des musiciens du cru. Ils sortent en 1974, leur troisième album et grand classique "Kimono My House". Le disque est produit par Muff Winwood ex-Spencer Davis Group (et frère de Stevie Winwood évidemment), l'intéressé enregistrera l'année suivante un disque culte de powerpop: l'unique album des Milk N Cookies. "This Town Ain't Big Enough For Both Of Us" est LE single extrait de l'album qui permet aux Sparks de percer. Deuxième des charts anglais (quinzième en France), la chanson est un énorme succès mérité tant le morceau est original et imparable. Les frères Mael déboulent en effet avec une pop baroque voir rococo altière et scintillante: le chant de Russell est théâtral et excessif quand la composition de Ron est tout en cassures et crescendos délirants. Sparks est ainsi un lien intangible entre la pop aux inflexions classiques de Left Banke et le rock lyrique de Queen, la formation évoque aussi la pop post-Beatles d'ELO ou le glam rock déviant de Roxy Music. Follement plus vrillé que Michael Brown et ses accolytes, plus élégant que les dégoulinants soli de Brian May: Sparks est cependant unique.
Demain aura lieu la finale du concours de la chanson de l'Eurovision en Suède (wikipedia). La première édition fut organisé en Suisse en 1956. L'événement, retransmis dans de nombreux pays, était à l'époque une prouesse technique, elle marqua ainsi de nombreux européens (wikipedia). Aujourd'hui si dans quelques pays le programme garde une certaine aura, il est devenu particulièrement ringard en France, un équivalent ponctuel des dimanche en compagnie de Jacques Martin... Soyons honnêtes: c'est peut être en partie du à notre manque de victoire depuis 1977, l'année de Marie Myriam. Reconnaissons cependant que la variété kitsch qui y est généralement proposée est assez laide et peu plaisante. Le concours est donc rarement pris au sérieux ici et nous y envoyons nos talents - parfois second degrés histoire de ne pas avoir à regretter - au casse pipe. Rassurons-nous sur un certain nombre de points (que ne nous donne pas les autres pays): une victoire dans l'Eurovision ne signifie plus grand chose depuis bien longtemps. D'ailleurs êtes vous capables de citer des artistes ayant gagné ce célèbre concours ? Pour ma part spontanément il m'en est venu deux. Ironiquement, aucune n'a chanté pour sa nation d'origine: Céline Dion (canadienne rappelons-le) en 1988 pour la Suisse et surtout France Gall en 1965 pour le Luxembourg (et oui!) avec l'incroyable "Poupée de Cire Poupée de son". Bref la seule chanson mémorable française à avoir gagné ne l'a même pas été sous notre bannière ! En regardant de près les vainqueurs quelques autres évidences me sont apparues (ABBA par exemple) mais dans l'ensemble ce n'est pas fou voir assez déprimant.
L'une des rares chansons de l'Eurovision que je trouve géniale a fini avant dernière l'année de sa présentation gagnant quelques modestes points grâce à la Grèce, la bien nommée "Euro-Vision" du groupe belge Telex. Ce trio composé de Marc Moulin, Dan Lacksman et Michel Moers est particulièrement connu des amateurs pour leur classique synthétique "Moskow Diskow". Il démarra un peu au hasard sur une blague: une reprise de "Twist à St Tropez" dans la lignée de ce que fera un peu plus tard les Silicon Teens de Daniel Miller (wikipedia). Le groupe est un des enfants les plus doués des allemands de Kraftwerk. À l'humour froid et distant des robots, les Belges ajoutent une certaine douceur et légèreté tout en conservant certains traits du son germanique. "Euro-vision", ironiquement un de leurs plus grands succès commerciaux, est ainsi une chanson enjouée et futuriste au texte dans la lignée de "Trans Europe Express" vantant les mérites du concours. Par certain coté cette participation serait aujourd'hui considéré comme un trollage en règle, pourtant je ne suis pas certain qu'elle soit entièrement ironique et qu'au fond les intéressés n'auraient pas aimé créer la surprise en gagnant le concours, une belle conclusion assurément mais les juges en ont décidé autrement ! Tant pis pour eux, personne n'écrira dans les prochaines semaines sur les autres participants de cette année-là, par contre Telex sera encore longtemps un groupe génial et chéri par plein de gens. Je vous laisse avec la vidéo d'archive du concours qui est un régal en soi (la présentation avant le passage du groupe est absolument délicieuse).
Le punk, au delà de ses qualités propres, généra quantité de musique intéressante: Post-Punk bien sûr mais également le mouvement Ska Revival. Ce dernier un succès populaire important, moins nihiliste et plus positif que le punk, le Ska Revival était en quelque sorte une réponse constructive (mais pas niaise ou naïve) à la crise: une énergie canalisée dans une musique revendiquant la fraternité (le damier noir et blanc du logo Two-Tone comme symbole d'unité entre noirs et blancs) et s'intéressant aussi aux problèmes sociétaux de l'Angleterre de Thatcher... Ainsi Post-Punk comme Ska Revival ont en commun d'avoir une dimension utopique: là où le punk pratiquait la politique de la terre brûlée, ces nouveaux venus eurent à cœur de construire une alternative musicale, mais aussi éventuellement politique.
Two Tone fut incontestablement la plaque tournante de la nouvelle vague Ska, lançant de nombreux groupes parmi lesquels The Specials, The Selecter (blog), Madness ou encore The (English) Beat. Ces deux derniers ont en commun de quitter la structure créée par Jerry Dammers après un unique single. Si Madness rejoignit un autre label anglais essentiel, Stiff (Nick Lowe, The Damned...), The (English) Beat prirent l'initiative de créer leur propre label: Go-Feet. Il publia la discographie du groupe et accueilli quelques projets parmi lesquels le groupe The Congos (biographie).
The (English) Beat connurent leur premier très gros succès avec le single "Mirror in the Bathroom" en 1980. Cette composition originale du groupe atteignit ainsi la 4ème place des charts anglais (wikipedia). Si nombres de traits du ska ont été conservés (la guitare en contretemps, le skank beat, le phrasé de la voix, les cuivres...) il y a quelque chose de résolument new wave et anguleux dans "Mirror in the Bathroom" peut-être dans l'usage du chorus sur la guitare... Ainsi la chanson m'évoque "Making Plans for Nigel" d'XTC mais en étant plus marqué par ses influences jamaïcaines. C'est peut être cette originalité qui rend "Mirror In The Bathroom" si cher à mes yeux: le titre épouse son époque et exprime les paradoxes liés à une recherche authenticité sans nier la modernité.
